“La moda lo es todo: la comida, la calle, la gente”, Baro Lucas

El diseñador local Baro Lucas presentará próximamente su nueva colección; nos habla de sus orígenes en la moda, sus reflexiones sobre la industria y el papel de los jóvenes diseñadores españoles.

Nuestra entrevista con Baro Lucas comienza con una (no tan) sencilla pregunta, ¿Qué es la moda? Su respuesta es clara: “La moda lo es todo, está en la comida, en la calle, en toda la gente, incluso la que no quiere ir a la moda. La moda es una forma de vivir”

Este joven diseñador vallisoletano comenzó a interesarse por la costura desde muy joven, “es algo que me gusta desde pequeño”, nos relata. A los veinte años presentó su primera colección con María José Suarez como presentadora y Ana Torres como madrina de excepción, y posteriormente ha continuado con más proyectos: presentar en 2013 una colección en la Sala Lava de Valladolid  ,Rosarillo Glubi,  y exponer sus inspiraciones, portfolios y pequeñas creaciones.

Estudia ingeniería con el objetivo de ser en el futuro su propio director creativo y conocer la industria desde dentro, además de estar titulado en patronaje, cualidad fundamental para él que debe tener un buen diseñador: “El patronaje es fundamental así como la confección, si un diseño te provoca una punzada de aguja en el dedo será un buen vestido”

Sus inspiraciones son de lo más dispares: desde clásicos del cine como “Thelma y Louise”, artistas como el arquitecto Gorliz, hasta “la propia regla de las mujeres” en la creación de la maqueta de unos zapatos de tacón, de la que nos explica: “Me inspira el sufrimiento que a veces soporta la mujer”. Su mujer ideal es urbana, chic, luchadora.

Sus diseñadores fetiche son Balenciaga y Amaya Arzuaga con la que tuvo la oportunidad de trabajar como su ayudante en prácticas en lo que califica como “una experiencia única, inspiradora, que me dio ganas de más”. Entre sus sueños profesionales estaría presentar una colección conjunta con David Delfín o Juan Carlos Pajares, un joven diseñador caracense.

Sobre el futuro de la moda patria se muestra prudente: “Con la crisis es complicado que mucha gente invierta en moda de calidad, empresas más baratas como Inditex son las que mueven la industria”. Aun así, es un abanderado de la moda “Made in Spain”, rechazando por completo su opuesto “Made in China”: “Entre los jóvenes diseñadores del país hay mucho nivel, pero pocas oportunidades”.

Con una nueva colección en marcha Baro Lucas continúa su camino en el mundo de la moda construyendo poco a poco un sello propio.

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Entrevistamos a Alejandro Suárez, director galardonado por ‘Castilla y León en corto’

Aún bajos los efectos de la resaca de uno de los eventos culturales más importantes de la ciudad, la Semana Internacional de Cine de Valladolid, nos acercamos hasta la figura del director Alejandro Suárez Lozano, que comparte con nosotros su experiencia en el festival, tras haber obtenido el galardón al mejor cortometraje dentro de la sección Castilla y León en Corto.

Castilla y León en corto, dentro del marco de la sesenta edición de Seminci, es una iniciativa que apuesta por los trabajos de cortometraje relacionados con la comunidad, en las facetas relacionadas con la dirección, producción o rodaje, y supone una apuesta que busca dar visibilidad y relevancia al cine de nuestra comunidad.

En esta edición, la obra que ha resultado merecedora de la distinción ha sido El Pescador, último trabajo del director Alejandro Suárez Lozano, que nos transporta hasta una ciudad como Hong Kong, donde se conjugan tradición y modernidad creando el marco donde se desarrolla una historia de ciencia ficción. Alejandro nació en Baracaldo en 1980, es licenciado en publicidad y RR.PP. en Madrid. Comenzó su andadura cinematográfica a los 18 años elaborando storyboards y ha participado en la realización de varios largometrajes entre los que cabe destacar ‘El Bola’ (Achero Mañas, 2000) o ‘El robo más grande jamás contado’ (Daniel Monzón, 2005). En 2010 compitió en la Sección Oficial de la 55 Semana con ‘Hidden Soldier’. Posteriormente ha dirigido dos documentales: ‘El último rey de León’ (2011) y ‘Carpinteros – Wood Work’ (2013), este último en formato de cortometraje. Actualmente reside en Estados Unidos donde continúa trabajando en nuevos proyectos.

En primer lugar enhorabuena por ganar el primer premio de cortometrajes en la sesenta edición de Seminci con El pescador y gracias por atender nuestras preguntas. ¿Puedes hablarnos un poco del cortometraje? ¿De dónde surgió esta idea?

Gracias. Llevaba un par de años dándole vueltas a la idea de un viejo pescador luchando contra el mundo por sobrevivir, una especie de ‘El viejo y el mar’ y ‘Moby Dick’ pero mezclado con Tiburón y Alien, una mezcla explosiva. A principios de 2013 me mudé a Hong Kong por motivos de trabajo y personales y nada más llegar me enamoré del contraste entre la gran ciudad financiera y los pobres pescadores tradicionales viviendo a la sombra de los grandes edificios.
Originariamente tan solo quería hacer una pequeña película de aventuras, fantasía y terror, homenajeando a mis cineastas favoritos de los 70 y 80, poco a poco la historia fue ganando fuerza con el personaje y, a su vez, la metáfora social que la historia representa: la extinción de los viejos oficios en manos del progreso.
Todos los cortometrajes presentados en la sección Castilla y León en corto están relacionados con la comunidad, ya sea por producción, dirección, rodaje, etc. ¿Cuál es el caso de El pescador?

La productora Estirpe PC es leonesa y yo, aunque nací en País Vasco, me mudé a León cuando tenía un año, me he criado en León, se puede decir que soy leonés.

El Festival Internacional de Cine de Valladolid está considerado como uno de los grandes festivales de cine de autor a nivel internacional y es uno de los eventos culturales más importantes de la ciudad. ¿Habías asistido antes a este festival? ¿Cómo te has sentido al participar y recibir un premio en esta edición?

Había estado ya varias veces como espectador y mi anterior corto Hidden Soldier compitió en la Sección Oficial, como único corto español, en 2010. Es un placer volver a participar en el que es el festival más prestigiosos de nuestra comunidad y uno de los más importantes del país, sin duda.

El género del cortometraje en ocasiones es de difícil acceso para el gran público y hay quien dice que no está demasiado reconocido dentro de la industria cinematográfica. ¿Cuál es tu opinión sobre el tema? ¿Crees que iniciativas como Castilla y León en Corto ayudan a dar visibilidad a este género?

Creo que esto está cambiando, sobre todo, el internet se ha convertido en una increíble plataforma para los cortometrajes, el público demanda contenidos cortos y el formato se ajusta perfectamente a esta demanda.

No obstante, los festivales son siempre una forma fantástica de que los cortos tengan su momento de gloria, en pantalla grande y con público en carne y hueso. Es una maravilla cuando asistes a una sesión llena de espectadores, es ahí cuando te das cuenta de por qué haces cine. Castilla y León en corto es una magnífica iniciativa por parte de SEMINCI para dar visibilidad a los cortos de nuestra comunidad y me alegro de que no pongan restricciones ruedes en la comunidad o no, como ha sido mi caso.

Por último tengo entendido que actualmente resides en Nueva York, ¿Estás realizando nuevos proyectos en EEUU? ¿Tienes algún nuevo trabajo en mente?

Efectivamente, ahora estoy en USA trabajando en el desarrollo de mi primer largometraje internacional, aparte de trabajando en algún que otro proyecto más. De hecho uno de ellos, tengo intención de rodarlo en León. Crucemos los dedos!

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Alaska (Fangoria): “No hay más clave que seguir”

Fangoria vuelve una vez más para convertir la Plaza Mayor de Valladolid en una gran pista de baile, en esta ocasión con su disco más reciente, Canciones para robots románticos, una oda a la inteligencia artificial en contraposición con el sentimiento amoroso. Esta misma noche, coincidiendo con la primera jornada de Ferias y Fiestas de la Vírgen de San Lorenzo, el público tiene una cita con la formación madrileña para bailar sin descanso sus nuevas canciones y sus temas más famosos y atemporales.

Olvido Gara (Alaska) y Nacho Canut, al teclado, continúan con su particular estilo intacto. Su nuevo disco, compuesto por 13 canciones, entre ellas Fiesta en el Infierno o Geometría polisentimental, triunfan dentro y fuera de nuestras fronteras.

¿En esta gira de presentación del nuevo disco el público ha respondido como esperaban?

Sobre el disco no podemos estar más contentos, hace ya seis meses que salió y sigue funcionando. Y en directo esas canciones, que en principio y hasta que se hacen conocidas no son tan populares, conviven perfectamente con nuestro repertorio anterior.

Abren los conciertos de la Plaza Mayor de las Fiestas de Valladolid. ¿Se plantean esas actuaciones abiertas de forma distinta a las que realizan ante un público que ha tenido que pasar por taquilla?

Pues sí, entendemos que tocar en un festival de música o en la plaza de una localidad en fiestas nos permite hacer un repertorio más relacionado con todos los momentos de nuestra carrera que cuando presentamos un disco y nos centramos sobre todo en las canciones nuevas. En este concierto en Valladolid por supuesto estarán las canciones del nuevo disco, pero también canciones de todas nuestras etapas.

¿Qué canción es la que más les pide el público?

Depende, no es lo mismo un seguidor que conoce todo tu repertorio a otro que sólo conoce tus canciones más populares. Desde luego las más reconocidas son A quién le importa, No sé que me das, Dramas y Comedias e incluso las nuevas del último disco como Geometría polisentimental o Fiesta en el Infierno.

¿Qué aporta en directo a un músico?

Los conciertos son una parte mucho más entretenida que la grabación de un disco. Pensar como vas a hacer un repertorio, qué canciones vas a tocar y cuáles no, cómo van a ser los arreglos musicales, las coreografías que se harán, la ropa que llevarás, qué imágenes de vídeo o luces acompañarán en cada momento … planificar todo eso es muy divertido y luego hacer el concierto también.

¿Cual es su secreto? ¿Cuál es la clave para mantenerse ahí después de tantos años?

No hay más clave que seguir, un disco tras otro, un concierto tras otro, unas veces ganando dinero, otras invirtiendo lo que has ganado en poder seguir haciendo lo que te gusta.

Luis Piedrahita: “El humor es una arma de construcción masiva”

Después de un periplo por varios puntos de la geografía española llega al Teatro Carrión de Valladolid “Las amígdalas de mis amígdalas son mis amígdalas”, el nuevo espectáculo del cómico Luis Piedrahita. Un show «pensado para gente exigente, aseada y con sentido del humor» que pretende darle un punto de humor y desenfado a la vida y realidades cotidinas.

El propio Piedrahita nos habla de sus famosas amígdalas, de que significa la comedia para un humorista y cómo se siente cuando se sube a las tablas frente al público vallisoletano.

 ¿Qué se puede esperar de «tus amígdalas»?

Mucha risa. Se han dado casos de señoras embarazadas que han dado a luz durante el espectáculo. La gente no sólo se muere de risa, sino que también nace de risa. Un niño tan sano, tan listo y tan bueno que no lloró hasta que acabó el show. Estuvo casi hora y media escuchando un monólogo de cosas cotidianas y casi surrealistas que nos suceden todos los días en los ascensores, las salas de espera, las islas desiertas y los hoteles. Ahora ese chaval ya sabe lo que le espera.

¿Y ese título? Es todo un trabalenguas…

Las amígdalas de mis amígdalas son mis amígdalas” es un show en el que se habla de todos los temas concernientes a la condición del alma humana, excepto las amígdalas. Por eso el título.

No es la primera vez que actúa en Valladolid ¿Cómo es el público vallisoletano?

Voy todos los años. No me digas que lo habías olvidado. Suelo ir en fiestas así que es normal que la gente al día siguiente no se acuerde. Vuelvo todos los años porque soy muy feliz actuando aquí. El público vallisoletano es exigente y generoso. Da gusto. Es un público entregado, inteligente, limpio, alto, muy guapo y que no se deja encandilar con falsos elogios.

Dicen que el mejor humor surge del drama ¿Está de acuerdo?

Básicamente, sí. El arte surge siempre de la carencia. Surge de la ausencia de un ser querido, de un rechazo amoroso, de la nostalgia por los días felices ya pasados… Lo poesía siempre trae una mala noticia debajo. El día en que el mundo sea tan perfecto que exista conformidad entre los deseos y los sucesos nadie leerá novelas. La novela de un avión que despega a la hora y aterriza puntual en su destino no interesa a nadie. El humor está hecho de nuestras miserias personales y de nuestros dramas cotidianos. Un chiste sobre lo guapa que es mi novia y lo mucho que me quiere tendría poca gracia.

Y en los tiempos que corren … ¿Cual es el poder del humor?

El humor es un arma de construcción masiva. En ese aspecto es muy parecido al amor. Es reparador, nos hace sentir mejor y tiene la capacidad de distanciarnos de nuestros problemas. La vida es bastante difícil de por sí, sólo el humor y el amor la hacen soportable. Ninguno de los dos soluciona los problemas, pero al menos los hace más llevaderos.

Hoy es su única actuación ¿Hará turismo por la ciudad antes o después?

Aprovecharé para visitar a amigos. Algunos de los humoristas que más admiro son de Pucela: Leo Harlem, Nacho García y, como no, el gran J.J. Vaquero. Vaquero es compañero de El Hormiguero y ha coescrito este show conmigo. Su ayuda fue indispensable para que este show sea así de poderoso. Estoy seguro de que el delicado paladar del público pucelano sabrá degustar las deliciosas esquirlas de Vaquero escondidas en este conglomerado humorístico llamado “Las amígdalas de mis amígdalas son mis amígdalas”.

 

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“Vamos a por las medallas”

Después de que las 17 medallas conseguidas por la delegación española hayan hecho soñar a todos los españoles y Lydia Valentín haya puesto el nombre del deporte en Castilla y León en lo más alto con su medalla de bronce, es el momento de los deportistas paralímpicos de seguir dando alegrías y demostrando que aún queda mucho deporte del que disfrutar en Río.

Un total de diez deportistas de la comunidad representarán a España entre los próximos días 7 al 18 de septiembre. Una cita a la que acudirán más de 4.350 deportistas de todo el mundo y en la que España dejó un importante legado en la edición de Londres 2012, con un total de 42 medallas y 83 diplomas olímpicos.

La atletas Lía Beel (con su guía David Alonso), Daniel Pérez y Salvador Cano, los baloncestistas José Luis Robles y Jonatan Soria, la esgrimista Ana Begoña, el arquero José Manuel Marín y el tándem formado por Carlos González y Noel Martín serán encargados de que el corazón vuelva a latir a mil revoluciones por segundo.

Es precisamente con los dos últimos con los que ABC ha tenido la oportunidad de hablar sobre sus previsiones para esta cita, las últimas controversias con temas como el dopaje y, sobre todo, de deporte.

¿Qué supone a nivel profesional y personal participar en estos juegos?

Noel: Cumplir un sueño y todo un reto a todos los niveles. Desde que conocí a Carlos, él tenia claro que éste era su sueño y, aunque antes hemos ido subiendo escalones y luchando por otras cosas, el objetivo final era éste.

Un total de diez deportistas de Castilla y León participará en los juegos Paralímpicos (dos más que en los Juegos Olímpicos) ¿Sienten el apoyo de la Comunidad?

Carlos: En cuanto al apoyo de la comunidad de Castilla y León, sólo puedo decir que desde que llegué, ya que yo soy madrileño de madre segoviana, en mayor o menor medida me han echado una mano; aunque como todo en la vida es mejorable, por ejemplo dándonos mayor visibilidad o divulgando el deporte adaptado.

Noel: Sí, es importante saber que cada año tenemos una ayuda para deportistas de alto nivel y nos sentimos valorados, aunque sí nos gustaría que se realizaran más actos para promocionar este deporte.

Son campeones del mundo en tándem adaptado ¿Qué previsiones tienen para Río?

Carlos: Nuestra expectativa en Rio es ir a luchar por medallas pensando en ir a por el oro, aunque si luego las que traemos son de plata o bronce también serán bien celebradas.

Noel: Vamos a luchar por las medallas en ruta y contrarreloj. Tenemos opciones en ambas, yo diría que las mismas. Vamos con muchas ganas y estamos preparando las pruebas al milímetro.

¿Cuántas horas diarias de entrenamiento dedican y en qué consisten? ¿Es difícil conjugar el deporte olímpico con otros aspectos?

Noel: Solemos salir tres días semanales con el tándem, unas 3 ó 4 horas, casi todos los entrenamientos conjuntos suelen ser duros, porque es donde más puede mejorar. Y, sí, es complicado, pero con ganas y esfuerzo se puede compaginar con estudios y trabajo ocasional como es mi caso, es cuestión de organizarse.

¿Cómo es la relación entre ambos? ¿Hay una mayor dificultad en el trabajo o la unión les hace más fuertes?

Carlos: En cuanto a nuestra relación, pues te puedo decir que Noel y yo somos como hermanos y nos llevamos muy bien y juntos somos muy fuertes. No quita que tengamos alguna pequeña discusión o diferentes puntos de vista sobre algo; pero creo que esto es algo normal en una convivencia.

Actualmente ha habido una gran controversia sobre el dopaje en los Juegos Olímpicos que posteriormente ha salpicado a varios deportistas en los Juegos Paralímpicos. ¿Qué opinan sobre ello? El deporte paralímpico es sinónimo de superación. ¿Creen que va en contra de todo lo que representáis?

Carlos: El dopaje, sea en olímpicos o paralímpicos, es algo muy malo, ya que mancha el nombre del deporte. El deporte es sinónimo de esfuerzo y conseguir objetivos o metas hasta donde tu cuerpo te permita llegar.

Noel: Siempre he condenado el dopaje, y, si por mi fuera, las sanciones serian de por vida salvo que se demuestre error involuntario y que se intente reparar el daño hecho. Desde luego un caso de dopaje en deporte adaptado me parecería más grave aún, y, yo lo castigaría más duramente aún…Todos los que estamos aquí deberíamos dar ejemplo y enviar un mensaje a la sociedad.

 

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Boquete, abanderada del fútbol femenino

Jugadora del Paris Saint Germain y capitana de la Selección Española de Fútbol Femenino; hablamos con Verónica Boquete (más conocida como “Vero Boquete”, simplemente) sobre la presencia de la mujer en el deporte más importante del mundo, su reconocimiento y la relación con los grandes medios de comunicación.

Sin pretender ser una abanderada del feminismo en los deportes, es conocida por ser la creadora en 2013 de una iniciativa, a través de la plataforma Change.org, que pretendía dar visibilidad a los equipos femeninos en los videojuegos oficiales. Parece una petición muy obvia, pero a nadie se le había ocurrido antes y supuso toda una revolución que llegó a conseguir 20.000 firmas en tan sólo 24 horas y vio sus esfuerzos recompensados cuando, en 2015, FIFA 16 incluiría 12 selecciones nacionales.

También fue la primera jugadora en publicar su biografía, titulada Vero Boquete, la princesa del deporte rey. Bien, hablemos con la princesa…

P:¿Qué opinas de la proyección del fútbol femenino en España?
R: Creo que en los últimos años el avance ha sido notorio y satisfactorio. Todavía queda un gran camino pero en los últimos años hemos ido más rápido y el futuro es muy esperanzador.

P: ¿Y del tratamiento que recibe por parte de los medios?
R: Todavía sigue siendo insuficiente, pero la situación también ha mejorado. Cada vez tenemos más espacio y se hace mención a las grandes noticias, partidos, torneos internacionales.. Eso hace que estemos llegando a más gente.

P: ¿Cuál crees que es el problema de base: el fútbol femenino no aparece en los medios porque no tiene tantos seguidores o no tiene tantos seguidores porque no aparece en los medios?
R: Es la pescadilla que se muerde la cola, creo que el problema va en las dos direcciones y la solución debe de llegar también por las dos partes.. Necesitamos más espacio en los medios y necesitamos más gente que lo demande.

P: ¿Cómo se ve el fútbol femenino fuera de nuestras fronteras?
Hace años se desconocía mucho nuestro nivel pero cada vez son más conscientes de que las jugadoras españolas tienen mucho talento y aunque la liga todavía no sea profesional cada vez el nivel es más alto ya que hay equipos que están apostando fuerte. Saben que en los próximos años estaremos en los primeros puestos en todo.

P: ¿Cómo ves tu futuro profesional y el futuro del fútbol femenino en general?
R: Mi futuro es más el presente, no se que pasaran en unos años pero ahora espero disfrutar de los mejores años de mi carrera, por experiencia, por nivel..
El fútbol femenino solo puede ir a mejor, es un “mercado en auge” y cada vez acaparemos más espacio en los medios y muchos más seguidores.

Réka Bucsi: “Creo posible la reconciliación entre los humanos y el medio ambiente”

Réka Bucsi, nacida en Alemania en 1988, nos presenta su cuarto cortometraje, Symphony nº42, una animación sobre el absurdo del hombre y la naturaleza.
¿Por qué escogiste Symphony nº42 como nombre del cortometraje?
Cuando estaba desarrollando el corto me comencé a sentir más compositora que directora. Todas las pequeñas escenas se desarrollan juntas y despacio, formando un gran dibujo. El número 42 es mágico, es un número vital en las matemáticas y también he oído que representa al ángel de los arcoíris, entre otros. Este número tiene algo especial, como un significado sobrenatural. Aun así sé que es un número como cualquier otro. Significa todo y nada a la vez.
La obra nos muestra una irracional relación entre los humanos y el medio ambiente ¿Es esta una crítica de carácter ecologista?
No era mi intención hacer una crítica del filme, pero seguro que lo es. Quería representar situaciones y relaciones, pero al mismo tiempo no quería dar una opinión concreta sobre ellas. Quería mantenerme al margen de lo que ocurre, solo dejar que sucediera. Considero que si quieres hablar sobre temas tan serios, no debes hacerlo de una forma seria ya que, si no, corres el riesgo de no conectar con la audiencia.
En las últimas escenas parece que hay esperanza de encontrar un mundo con coherencia entre humanos y naturaleza, pero finalmente esa esperanza se rompe. ¿Crees imposible la reconciliación entre los humanos y el medio ambiente?
No creo que sea imposible, para mí es completamente posible. La cuestión es hasta qué punto estamos dispuestos a reflejar lo que esta ocurriendo, de las consecuencias de nuestro sistema consumista. Es ésto lo que encuentro absurdo e insano en muchas situaciones y trato de reflejar en mi obra.
¿Qué recursos metafóricos destacarías en el film?
Para mí la película trata sobre observar: el zorro de la primera escena nos habla del significado de la vida, que es algo que no podemos describir con palabras. Aún así, no todo es un símbolo o una metáfora. Yo sólo quería que las imágenes fluyeran, aún sabiendo que todo se convertiría en metáfora según fueran sucediéndose las escenas; las cosas simplemente han ido ocurriendo. Solamente observándo los detalles, en mi caso con sarcasmo, lograremos vislumbrar cómo el mundo funciona a nuestro alrededor.
En “Symphony nº42” encontramos elementos divinos. ¿Con qué intención se incluyen?
El ojo del triángulo simboliza cosas diferentes: puede representar a Dios y, para una sociedad ocultista o la sociedad en general, podemos denominarlo “La Gran Verdad”. Encontré divertido mostrar cómo muchas veces culpamos a elementos sobrenaturales de lo que está ocurriendo, aunque, en mi opinión, no hay razón para ello. Está en nuestra naturaleza tratar de dar explicación a aquello que no las tiene.
¿Entonces, el zorro que interactúa con esta figura, representa a los hombres?
El símbolo del zorro dibujando es una mezcla de ciencia, religión y ciencia ficción. Significa todo y nada a la vez, ya que, en realidad, no sabemos nada sobre ello. El zorro trata de conocer la verdad, el significado de todo, y así ser capaz de transmitírselo al mundo.
Este cortometraje esté especialmente dedicado a las ballenas de Sri Lanka. ¿Podrías por favor decirnos por qué?
Estuve en Sri Lanka durante dos semanas mientras producía el cortometraje. Vi un montón de ballenas desde un barco especialmente diseñado para ello. Fue una experiencia increíble que realmente me dejó huella. Por una parte me encontraba emocionada, pero por otra me sentía absurda viendo como las ballenas observaban los barcos aproximándose. Una gran ballena azul, seguramente asustada por el jaleo de todo aquel gentío, tomo aire y desapareció en el océano. En ese momento me sentí triste, pero a la vez feliz por mí misma. Me sentí identificada con los personajes de mi película.

Una Gunjak : “Si las proyecciones consiguen conectar con la gente, todos habremos ganado”

Una Gunjak nació en la ciudad de Sarajevo y su niñez corrió pareja al asedio de la ciudad por el ejército yugoslavo durante la Guerra de Bosnia. En su juventud emigró a Londres, donde se formó como editora de documentales y directora de cortometrajes. Con su último trabajo, “Kokoska” (“La galina”), que se proyecta hoy, 24 de octubre de 2014, dentro de la Sección Oficial de la 59ª Seminci, esta joven artista  vuelve a sus raíces y retrata un día de 1993 en Sarajevo a través de los ojos de una niña.
Este cortometraje habla del asedio a la ciudad de Sarajevo (Bosnia) llevado a cabo por el ejército yugoslavo. ¿Ha querido solamente representar el drama humano de la guerra o también es una crítica política hacia la actuación del ejército yugoslavo?
Esta historia habla de una niña que está creciendo en tiempos de guerra, lo que le hace madurar muy rápido. Crece 5 o 10 años en un solo día ya que aprende una lección muy fuerte. Es la historia de los niños que crecen en la guerra. Mi intención no era hacer crítica política, sino reflejar un  drama humano.
Es de nacionalidad bosnia y su infancia se desarrolló en aquellos años (1993). ¿Es este corto una autobiografía?
Por supuesto que sí. La guerra permanece en nuestro subconsciente, en el subconsciente de toda mi generación. Todos nosotros éramos muy jóvenes para comprender lo que estábamos viviendo, pero absorbíamos todo como esponjas.  Muchos años después, cuando hemos sido conscientes, es cuando hemos comenzado a comprender la dimensión del trauma que vivimos. La guerra sacudió nuestras vidas e influyó en nuestras decisiones, en quiénes somos y en dónde estamos ahora.
Guerra, hambre, inocencia…  ¿Qué más experiencias y sentimientos cree que expresa la obra?
Opino que el corto está lleno de sentimientos a lo largo de sus 15 minutos de duración: inocencia, responsabilidad, prioridades, etc.
También ha trabajado en la edición de documentales. ¿Ha influido esto en el estilo que ha dado al cortometraje?
Es correcto, trabajé como editora de documentales en la Escuela Nacional de Cine y Televisión de Reino Unido. Esto, desde luego, ha influido artísticamente en mis proyectos, tanto en los temas como en los recursos estéticos.
¿Qué significó ganar en el Festival de Cine de Sarajevo?
La ciudad de Sarajevo es increíblemente especial para mí, sin querer menospreciar la importancia de cualquier otro festival. Todavía me emociono cuando pienso en ello. El cortometraje hablaba sobre crecer en aquella ciudad y yo he crecido con el Festival de Cine de Sarajevo. Para mí, el Teatro Nacional (dónde tuvo lugar la gala de premios) es “mi teatro”, me recuerda a mi niñez.  También hablo en nombre de todos mis compañeros, para ellos fue igual de importante.
¿Cree que “Kokoska” tiene posibilidades de recibir también el galardón en la Seminci?
Tanto yo como todo mi equipo estamos increíblemente emocionados por formar parte de la Seminci y optar al galardón. Conozco la trayectoria del festival y la calidad de cada una de las secciones que se presentan.  Por supuesto, me sentiría muy feliz si recibo el premio, pero lo más importante para mí es conectar con el público, emocional e intelectualmente. Si tanto con “Kokoska” como con el resto de proyecciones conseguimos eso, todos seremos ganadores.

Pablo Berger: “Una película termina en la visión de cada espectador”

El director de Blancanieves ofrece una Máster Class de la 59ª Seminci

Pablo Berger ha pasado unas horas hoy, 24 de octubre de 2014, en el Aula Mergelina de la Facultad de Derecho de la Universidad de Valladolid para ofrecer una Master Class en la que ha repasado toda su carrera como cineasta y su peculiar concepto del séptimo arte.

El cineasta vasco nació en Bilbao en 1963, en unos oscuros años para la región que coinciden con la aparición de una grandísima escuela de cineastas vascos. “El cine era una vía para escapar, para vivir otras vidas”, ha resaltado. También ha hablado del comienzo de su formación, lejos de una escuela de cine, que se desarrolló de manera autodidacta: “Las enciclopedias y los festivales de cine de San Sebastián y Bilbao fueron mi escuela”.

Su primera producción llegó con Mama, un cortometraje gore que desarrolló junto a Álex de la Iglesia, que le permitió emigrar a la Meca del cine, Nueva York, dónde realizó un Máster de Cine y participó en la “NY Film Academy”. “Fueron los comienzos del cine independiente de EEUU”, ha recordado Pablo Berger. En estos años fue cuándo empezó a tomar forma su primer largometraje Torremolinos 73.

Con su segundo largometraje, Blancanieves, ha alcanzado el éxito total; reconocido con 10 premios Goya y 2 premios del Festival de Cine de San Sebastián. Para Pablo Berger la realización de esta película ha sido un reto: muda y en blanco y negro, una novedad nunca vista en el cine de nuestro siglo que corrió pareja a la obra francesa The Artist. Fueron necesarios 6 años para sacar el proyecto adelante, que finalmente se estrenó en el año 2012. “Es una película experimental, dónde se muestra el esperpento de aquella España, los toros, el folclore, los contrastes”, ha comentado el director acerca de la que es hasta ahora su obra maestra.

Berger también ha reflexionado sobre su estilo cinematográfico, con diseños muy visuales y una clara obsesión por la sonoridad de las películas: “La música y la imagen tienen que ser uno, cómo el café con leche”. Además ha querido destacar el comienzo de una nueva corriente cinematográfica en nuestro país: “Está ocurriendo que, ante la falta de presupuesto, el director carece de las responsabilidades que acarrean las grandes producciones y se vuelve más rebelde y más libre”.

Sobre la proyección de Blancanieves, que tendrá lugar esta noche en el Auditorio Miguel Delibes acompañada por la Orquesta Sinfónica de Castilla y León y un espectáculo flamenco, ha declarado: “Va a ser mágico, unir a más de mil personas en esta experiencia va a convertirlo en algo realmente especial”.

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María León: “Me siento maravillada con Paco como director”

La sección Spanish Cinema acogió ayer, 24 de octubre del 2014, la presentación de Carmina y Amén, el último largometraje de Paco León como director. Fue el propio director, junto con su hermana y actriz María León, el encargado de presentar la película al público asistente. “Es una película inspirada en nuestra historia familiar, que mezcla muchos géneros y tiene muchas caras”, comentó el director.
En la secuela de Carmina y Revienta, volvemos a encontrar a Carmina Barrios, madre de Paco y María, como actriz principal, encarnando esta vez a una Carmina más ambiciosa y dispuesta a todo. “En la primera parte nace el hilo de la historia, pero es en esta segunda dónde la historia se vuelve totalmente redonda”, comentó María León acerca de la película.
Por motivos de agenda  Paco León no pudo asistir al coloquio posterior a la proyección, pero sí lo hizo María León, que destacó lo orgullosa que se siente por el trabajo realizado, especialmente por su hermano: “Me siento maravillada con Paco como director”. También quiso destacar el papel de Carmina Barrios, en quien se basa el film, “Carmina es generosa y sabe jugar a interpretar. El personaje de Carmina tiene de ella su fuerza, su manera de luchar y de amar”.
Sobre si habría más secuelas sobre la película María ha sido rotunda: “Carmina y Amén es un amén definitivo a una experiencia preciosa que surgió como una aventura familiar”.
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